Karl Albert Buehr (1866–1952)
Ohne Titel (Frau am Windows) (Mary, die Frau des Künstlers)
Nicht signiert.
Pastell auf Karton, um 1915
Entstanden während des Aufenthalts des Künstlers in Giverny, Frankreich
Provenienz:
Geschenk des Künstlers an seine Frau, Mary Hess Buehr
durch Abstammung von der Nichte des Künstlers, der Tochter von Will HESS.
David Salzmann
Robert Henry Adams Bildende Kunst, Chicago
Thomas French Fine Art
Ronald C. Sloter, Columbus
Karl Albert Buehr bei Robert Henry Adams Fine Art, Chicago – Ausstellungsdaten
Die Ausstellung fand 1994 bei Robert Henry Adams Fine Art, 715 North Franklin Street, Chicago, statt. Die erhaltenen Herkunftsunterlagen beschreiben sie als die erste Ausstellung der Galerie an ihrem Standort in der North Franklin Street. Zu den dokumentierten Werken gehören „Frau auf einer Terrasse“, „Rocky Inlet“ (Frankreich) sowie offenbar weitere Gemälde und Studien, die über David Saltzman von der Familie von Buehrs Ehefrau Mary Hess Buehr erworben wurden.
Die Karl-Albert-Buehr-Ausstellung von 1994 bei Robert Henry Adams Fine Art stellte einen wichtigen Beitrag zur historischen Aufarbeitung dar. Obwohl Buehr zu Lebzeiten große Anerkennung genoss – als ausstellender Maler, Preisträger und einflussreicher Lehrer an der School of the Art Institute of Chicago –, trat sein Ruf in den Jahrzehnten nach seinem Tod zunehmend in den Hintergrund. Durch die Zusammenführung von Gemälden und Arbeiten auf Papier, die im Familienbesitz des Künstlers verblieben waren, trug die Adams-Ausstellung dazu bei, Buehr wieder den ihm gebührenden Platz unter den führenden Vertretern des amerikanischen Impressionismus und den bedeutendsten in Chicago ausgebildeten Malern, die vor dem Ersten Weltkrieg in Frankreich tätig waren, einzuräumen.
Giverny spielte eine entscheidende Rolle für Buehrs künstlerische Reifung. Seit Ende der 1880er Jahre fühlten sich amerikanische Maler von dem normannischen Dorf angezogen, sowohl durch Monets Anwesenheit als auch durch die Gärten, Flusstäler, Ackerflächen und das unverwechselbare nordische Licht der Region. Buehr hat Monet nicht einfach nur nachgeahmt. Seine Figurenkompositionen waren nach wie vor von seiner akademischen Ausbildung in Chicago und Paris geprägt, doch belebte er diese Struktur durch einen gebrochenen Pinselstrich, verstärkte Komplementärfarben und eine zunehmend leuchtende Farbpalette.
In seinen charakteristischen Kompositionen sind elegant gekleidete junge Frauen auf Terrassen, neben Fenstern oder in blühenden Gärten zu sehen. Diese Figuren sind weder konventionelle Gesellschaftsporträts noch anonyme Dekorationsgegenstände. Sie nehmen einen sorgfältig ausgewogenen Platz zwischen individueller Präsenz und bildlicher Harmonie ein. Gesichter und Gesten werden oft still beobachtet, während Kleider, Sonnenschirme, Blumen, Blattwerk und das wechselnde Sonnenlicht zu Trägern der Farbe werden. Lavendelfarbene Schatten, Stoffe in Rosa- und Korallentönen, smaragdgrünes Laub und leuchtende gelbe oder blaue Akzente verwandeln den Garten in eine farbenprächtige Kulisse, die das Modell umgibt.
Die mit der Adams-Ausstellung verbundenen Werke verdeutlichen die Bandbreite von Buehrs französischem Schaffen. Das Pastellbild „Frau auf einer Terrasse“ aus der Zeit um 1915 verdeutlicht seine Fähigkeit, impressionistische Farbgebung in die Unmittelbarkeit eines trockenen Malmediums zu übertragen. Dank der Pastelltechnik konnte er einen Farbton direkt neben einen anderen setzen, ohne dass dabei an Intensität verloren ging. Die so entstehende Oberfläche zeichnet sich durch eine sanfte, stimmungsvolle Einheit aus, bewahrt dabei jedoch die Energie der einzelnen Pinselstriche. Auch die Geschichte des Werks – das Buehr Mary Hess Buehr schenkte und das anschließend in ihrer Familie weitervererbt wurde – verleiht ihm einen besonders intimen Charakter.
„Rocky Inlet“ (Frankreich) zeigt einen weiteren Aspekt von Buehrs künstlerischem Schaffen. Anstelle des gepflegten Gartens und der eleganten weiblichen Figur konfrontiert der Künstler den Betrachter mit einer rauen Küstenlandschaft. Dennoch bleibt sein zentrales Anliegen das Zusammenspiel von Licht und Farbe. Felsen, Wasser und Vegetation werden eher durch kurze Pinselstriche als durch kontinuierliche Modellierung dargestellt. Der kleine Maßstab lässt auf eine direkte Beobachtung schließen, möglicherweise handelt es sich um eine Freilichtstudie, die Buehr während seiner Reisen in der Normandie angefertigt hat. Auch die Provenienz des Werks beginnt bei Mary Hess Buehr und führt über die Familie weiter, bevor es schließlich zu David Saltzman und Robert Henry Adams Fine Art gelangte.
Diese familiäre Herkunft spielte eine zentrale Rolle für die Bedeutung der Ausstellung von 1994. Die Werke waren nicht einfach nur anonym auf dem Markt im Umlauf gewesen; viele wiesen nach wie vor eine direkte Verbindung zum Haushalt des Künstlers auf. Zu einer solchen Gruppe könnten informelle Studien, experimentelle Kompositionen und persönliche Werke gehören, die Buehr lieber behielt, anstatt sie an öffentliche Ausstellungen zu schicken. Gemeinsam vermittelten sie einen persönlicheren und tiefere Einblick in seine Karriere.
Karl Albert Buehr (1866–1952): Frankreich und die Jahre in Giverny
Karl Albert Buehr – dessen Nachname manchmal fälschlicherweise als „Beuhr“ geschrieben wird – war ein in Deutschland geborener amerikanischer Maler und einflussreicher Lehrer, der der zweiten Generation der amerikanischen Impressionisten zugerechnet wird, die in Giverny tätig waren. Obwohl seine künstlerische Identität in Chicago verwurzelt war, veränderten die Jahre, die er in Frankreich verbrachte, seine Farbpalette, seine Themenwahl und seine Herangehensweise an die Malerei.
Buehr wurde am 14. Februar 1866 in Feuerbach bei Stuttgart geboren und wanderte wahrscheinlich 1881 mit seiner Familie nach Chicago aus. Nachdem er kurze Zeit bei einem kommerziellen Lithografen gearbeitet hatte, schrieb er sich 1888 an der School of the Art Institute of Chicago ein. Er studierte bei John H. Vanderpoel und schloss sein Studium 1894 mit Auszeichnung ab; daraufhin lud ihn die Hochschule ein, dort zu unterrichten. Außerdem diente er während des Spanisch-Amerikanischen Krieges in der Kavallerie von Illinois und heiratete Mary Guion Hess, eine seiner Schülerinnen und selbst eine versierte Künstlerin.
Frühe Studien in Europa
Buehrs Ausbildung in Europa verlief in mehreren Etappen. Um 1900 ließ er sich in Paris nieder und studierte an der Académie Julian, vor allem bei dem französischen Maler Raphaël Collin. Collin war bekannt für seine idealisierten Frauenfiguren in leuchtenden Außenkulissen – eine Kombination aus akademischer Zeichenkunst und impressionistischer Lichtführung, die bereits Buehrs Spätwerk vorwegnahm. Berichten zufolge erhielt Buehr 1901 an der Académie eine Goldmedaille.
Zu seinen frühen europäischen Gemälden gehörten Porträts, Landschaften und Szenen aus dem ländlichen Arbeitsleben. Durch seine Reisen nach Holland kam er mit dem zurückhaltenden Tonalismus der Haager Schule in Berührung, während seine Reisen nach Italien – insbesondere nach Taormina auf Sizilien in den Jahren 1906 und 1907 – ihn zu einer lebhafteren Darstellung des mediterranen Sonnenlichts inspirierten. Er studierte außerdem in London, wo seine Kontakte zu Frank Brangwyn und die dekorativen Strömungen der britischen Malerei sein Interesse an großzügigem Design, rhythmischer Komposition und großformatigen Figurenarrangements verstärkten.
Ein entscheidender Faktor für diesen längeren Aufenthalt in Europa war die Unterstützung durch die Chicagoer Philanthropin Lydia Coonley Ward. Von etwa 1906 bis 1913 gewährte Ward Buehr ein monatliches Stipendium, das es dem Künstler, seiner Frau und ihren Kindern ermöglichte, im Ausland zu bleiben und ihrer Arbeit nachzugehen, ohne dem unmittelbaren Druck des amerikanischen Marktes ausgesetzt zu sein.
Buehr in Giverny
Buehr fand um 1909 Zugang zur angloamerikanischen Künstlergemeinde in Giverny, wahrscheinlich durch seine Freundschaft mit Henry Salem Hubbell, einem weiteren amerikanischen Figurenmaler, der von Lydia Coonley Ward gefördert wurde. Von etwa 1909 bis 1912 verbrachte Buehr die Winter in der Regel in Paris und die wärmeren Monate in Giverny. Im Jahr 1912 und im Sommer 1913 soll die Familie in Sainte-Geneviève-lès-Gasny in der Nähe von Giverny gelebt haben.
Zu diesem Zeitpunkt war Giverny nicht mehr nur das Dorf, in dem Claude Monet lebte. Es hatte sich zu einer internationalen Künstlerkolonie entwickelt, die vor allem für amerikanische Maler attraktiv war, die die Farben der Impressionisten bewunderten, aber dennoch auf eine klare Zeichnung und sorgfältig durchdachte Figurenkompositionen Wert legten. Zu Buehrs Mitarbeitern zählten Frederick Carl Frieseke, Richard Edward Miller, Guy Rose, Lawton Parker, Louis Ritman, Edmund Greacen, Karl Anderson und Theodore Earl Butler.
Buehr stand dem Kreis um Frieseke und Miller besonders nahe. Diese Künstler hatten sich auf dekorative Gemälde spezialisiert, die modisch gekleidete Frauen zeigten, die lasen, nähten, Tee tranken oder sich in sonnendurchfluteten Gärten ausruhten. Ihre Gestalten waren umgeben von Blumen, gemusterten Stoffen, Sonnenschirmen und flackernden Lichtreflexen in bunten Farben. Buehr übernahm dieses Repertoire, doch seine Gemälde zeichneten sich in der Regel durch eine strengere strukturelle Gliederung und einen deutlicheren Kontrast zwischen Komplementärfarben aus.
In seinen ersten Monaten in Giverny arbeitete Buehr an einer großen dekorativen Tafel mit tanzenden Figuren. Das Werk erhielt beim Pariser Salon von 1910 eine lobende Erwähnung, eine bedeutende fachliche Anerkennung. In jenem Sommer wandte er sich jedoch zunehmend intimen Gartenszenen und Figurenstudien im Freien zu. Der Einfluss von Richard Miller lässt sich in der dekorativen Anordnung der Figuren erkennen, während Friesekes Vorbild Buehr inspirierte s Einsatz von strahlendem Sonnenlicht, gemusterten Oberflächen und satten Farbtönen.
Beziehung zu Claude Monet
Claude Monet war Bührs künstlerisches Vorbild, doch sollte man das Ausmaß ihrer persönlichen Beziehung nicht überbewerten. Buehrs Kinder spielten mit den Kindern von Theodore Butler, Monets Schwiegersohn, und sie besuchten die Familie Monet. Buehrs Tochter Kathleen erinnerte sich später daran, dass Monet zu den Kindern sehr freundlich war. Dennoch deuten die besten verfügbaren wissenschaftlichen Erkenntnisse darauf hin, dass keine enge persönliche Verbindung zwischen Buehr und Monet belegt ist.
Monets Bedeutung für Buehr war daher in erster Linie künstlerischer Natur. In Giverny lernte Buehr, farbiges Licht als zentrales Thema zu betrachten und nicht nur als Mittel zur Darstellung von Gegenständen. Die Schatten nahmen violette, blaue oder grüne Töne an; weiße Kleider spiegelten den umgebenden Garten wider; und Gesichter und Arme wurden durch kleine Pinselstriche in warmen und kühlen Farben modelliert. Der umzäunte Garten wurde zudem zu einer Art Freiluftatelier, in dem menschliche Figuren, Blumen, Stoffe und Sonnenlicht zu einem einheitlichen dekorativen Gesamtbild inszeniert werden konnten.
Der Giverny-Stil
Buehr wurde vor allem durch seine Gemälde bekannt, auf denen junge Frauen in Gärten sitzen oder stehen, oft in Begleitung farbenfroher Sonnenschirme. Werke wie „Frühling in Giverny“, „Unter dem Sonnenschirm“ und ähnliche Bilder, auf denen Frauen beim Lesen oder im Gespräch zu sehen sind, sind beispielhaft für seinen reifen Stil. Obwohl sie vom französischen Impressionismus inspiriert sind, handelt es sich bei diesen Gemälden nicht um spontane Wiedergaben flüchtiger visueller Eindrücke im strengen Sinne der Tradition Monets. Es handelt sich um sorgfältig inszenierte Figurenkompositionen.
Buehr selbst erklärte, dass sich der Freiluftmaler auf das Gesamtbild – Gruppierung, Anordnung und Farbe – konzentrieren sollte, anstatt jedes einzelne Detail mühsam darzustellen. Dieses Prinzip trägt dazu bei, seine Giverny-Gemälde von der herkömmlichen Porträtmalerei abzugrenzen. Die Frauen werden psychologisch kaum als Individuen dargestellt; stattdessen fügen sie sich in ein harmonisches Ganzes aus Licht, Kostümen, Blumen und Atmosphäre ein.
In seinen Kompositionen wird die räumliche Tiefe oft verdichtet, sodass ein gemustertes Kleid, ein Sonnenschirm und ein blühender Hintergrund fast dieselbe visuelle Ebene einnehmen. Der Kunsthistoriker William H. Gerdts stellte fest, dass Buehrs Raum vieldeutiger und weniger von traditioneller Illusion abhängig sein könnte als der vieler seiner Kollegen aus Giverny. Diese Verflachung verleiht den Gemälden einen dekorativen Charakter, der nicht nur an den Impressionismus anknüpft, sondern auch an japanische Holzschnitte und den allgemein verbreiteten internationalen Geschmack für gemusterte Oberflächen.
Rückkehr nach Chicago
Buehr kehrte Ende 1913 oder etwa zum Zeitpunkt des Ausbruchs des Ersten Weltkriegs im Jahr 1914 nach Chicago zurück. Er nahm seine Lehrtätigkeit an der School of the Art Institute wieder auf und wurde zu einem ihrer angesehensten Dozenten. Zu seinen Schülern gehörte Archibald J. Motley Jr., der später eine der führenden Persönlichkeiten der Harlem Renaissance und der Chicago Black Renaissance wurde. Motley erinnerte sich an Buehr als einen besonders ermutigenden Lehrer, der die Entwicklung eines individuellen Stils respektierte.
Nach seiner Rückkehr nach Amerika malte Buehr weiterhin Gartenfiguren, Porträts und Landschaften und schuf gelegentlich auch Grafiken. Sein französischer Stil brachte ihm große Anerkennung ein: Er erhielt 1915 auf der Panama-Pacific International Exposition eine Silbermedaille und wurde 1922 zum assoziierten Mitglied der National Academy of Design gewählt. Im Jahr 1934 wurde im Rahmen der Ausstellung „Century of Progress“ in Chicago eine Einzelausstellung seiner Werke organisiert.
Karl Albert Buehr starb 1952 in Chicago.
Buehrs Jahre in Frankreich waren die prägende Phase seiner Karriere. In Paris erhielt er seine akademische Ausbildung, Italien und Holland erweiterten seine Sichtweise auf die Landschaft, doch erst Giverny verhalf ihm zu seiner ausgereiften künstlerischen Ausdrucksweise. Sein Werk nimmt daher eine wichtige Stellung zwischen dem französischen Impressionismus und der unverwechselbar ausgefeilten, figürlich geprägten Form des Impressionismus ein, die im Amerika des frühen 20. Jahrhunderts ihre Blütezeit erlebte.
