James Vaulkhard
Big Horn, 2025
Bâton et pastel à l'huile sur panneau de bois
45 x 60 cm
17.7 x 23.6 pouces
James Vaulkhard est titulaire d'un BA en histoire de l'art de l'université de Leeds. Il a suivi une formation et enseigné aux Charles Cecil Studios et au Studio Della Statua à Florence, en Italie. C'est là qu'il s'est forgé une formidable réputation pour sa capacité à embrasser et à manifester les techniques traditionnelles, tant dans le domaine du portrait que de la sculpture. Notamment, lors de l'obtention de son diplôme en 2013, Vaulkhard a été chargé de participer à un projet de pont entre l'Italie et le Kenya, en développant les études préliminaires pour The Sacred Heart Cathedral Kericho en collaboration avec des sculpteurs locaux kényans.
En 2014, Vaulkhard s'est installé à Londres et a continué à développer un style artistique qui a recadré sa formation classique et s'est orienté vers une catégorie d'expression visuelle plus expérimentale. Sa première œuvre exposée à Londres était une série de collages comportant sept représentations du héros fictif James Bond, composées d'images érotiques et pornographiques trouvées. Suite au succès de cette série, il crée une série intitulée Icone qui utilise les mêmes techniques. Il s'agit notamment de son portrait non autorisé et acclamé de Donald Trump, alors président des États-Unis, réalisé en 2017 à partir de coupures de dictateurs historiques et de tyrans politiques.
En 2019, Vaulkhard est revenu à ses racines dans la peinture à l'huile, créant une série à grande échelle de peintures de paysages dystopiques intitulée Echo Chambers - une collection de "peintures-cavernes" inspirées par des algorithmes qui posent des questions sur l'identité humaine à une époque qui, selon l'artiste, pourrait s'avérer être l'aube de l'évolution guidée. Ces formes abstraites mêlent un passé primordial et un futur potentiel, représentant des empreintes digitales et des représentations grossières de bêtes veinées dans un code algorithmique.
Dans son travail le plus récent, Vaulkhard a combiné les techniques développées dans ces deux séries de travaux et les a mariées à l'arène esthétique de l'art japonais, en abordant spécifiquement le concept mystérieux de Ma ou d'espace négatif. Le résultat est une série de paysages abstraits destinés à attirer le spectateur plus profondément dans la nature par le biais d'une cacophonie visuelle écrasante qui cherche à communiquer les vastes potentialités qui existent entre les éléments.
Les peintures de James Vaulkhard sont des éclairages d'espoir, elles nous conduisent vers un potentiel de croissance qui nous éclaire sur un avenir florissant. L'artiste s'inspire de la théorie japonaise du MA, coordonnant le concept littéraire avec une connaissance prodigieuse des canons classiques de la profondeur de Florentine, incarnés par les ombres, les reflets et la lumière.
James a développé cet ensemble de travaux au cours des deux dernières années, en s'inspirant des paysages de Singapour et du Kenya. Les œuvres sont décrites comme des paysages de rêve, au sens le plus noble du terme : il s'agit de paysages imaginés à partir de souvenirs.
Ses œuvres font écho à une abstraction que l'on retrouve dans les Nymphéas de Claude Monet. À l'instar de l'artiste français, les œuvres de James capturent une lumière et des couleurs naturelles en constante évolution, qui dissolvent tous les repères spatiaux et où les éléments adjacents s'entremêlent. Chaque tableau est un gage d'un doux moment de méditation. La présence physique des nénuphars reflète également une tonalité paisible, décrivant une ascension du monde vers le spirituel. Les œuvres de Vaulkhard sont un présage qui touche aux métaphores des vivants et des perdus.
James propose au spectateur de redécouvrir la signification de l'espace, la manière dont il est occupé et dont il déborde du poids et de la lumière de l'éthéré. Les œuvres sont une représentation de notre géo-psyché. Il manifeste les esprits cachés et les fait réapparaître sous forme d'efflorescences sur la toile.
Son œuvre nous montre que la nature est une abstraction. Le feuillage est une palette avec laquelle l'artiste peut jouer et les motifs de la verdure sont les pochoirs de l'esprit humain, constamment répétés et adaptés aux toiles de nos vies. Ces sculptures de la Nature laissent place à des espaces négatifs chargés d'encore plus d'abstraction : "le silence entre les notes qui font la musique".
Dans son œuvre la plus récente, James développe son approche du concept de MA, il parle de l'héritage de la forêt qui entoure sa maison au Kenya. Son travail comporte de fortes références visuelles à Peter Doig et David Hockney. Son utilisation de la couleur est émotionnelle, plutôt que représentative. Son utilisation de teintes violettes fait écho à la nature et aux souvenirs qu'elle renferme. La palette de James raconte une histoire différente de celle que l'on peut voir dans ses compositions. Les teintes sont évocatrices de souvenirs, ce ne sont pas des descriptions de la nature, mais de la nostalgie qu'elle véhicule. Comme Doig, James est un voyeur de son environnement, un peintre romancier des paysages qui l'entourent.
