sculpture d'assemblage : « creeper » vintage en bois, encadrée par un cadre déstructuré des années 1970, pantalon à pattes d'éléphant vintage orné d'un drapeau, baskets vintage Peter Max, transfert sur toile d'une photo retouchée, vieux chapeau haut-de-forme orné d'un personnage « Zig Zag » et d'un badge anti-guerre, livre « Conscientious Objector », livre « Volkswagen Repair for Idiots », vieilles photos, pin's politiques, pin's des années 1960, broches en métal en forme de fleur, vieux papiers à rouler Zig Zag
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KAT FLYN est un artiste autodidacte de l'assemblage qui travaille actuellement à San Diego. Elle a commencé sa carrière en tant que costumière dans le sud de la Californie. Au fil des ans, elle a amassé un trésor d'artefacts et d'objets de collection qu'elle a commencé à utiliser pour créer des œuvres d'art d'assemblage dans les années 1990. En 2000, elle a vendu son entreprise et s'est installée à Cuyamaca, une communauté isolée dans les montagnes à l'extérieur de San Diego, pour se consacrer exclusivement à son travail artistique. En 2003, son travail a été interrompu lorsque le Cedar Fire a balayé le comté de San Diego et a détruit la forêt, sa maison et son studio, ainsi que la quasi-totalité de ses collections et de ses œuvres d'art. Après l'incendie, elle s'est installée à San Francisco, où elle a passé une décennie à se concentrer sur son art dans son studio de SOMA et à exposer dans des galeries de la Bay Area. En 2015, elle est retournée à San Diego et travaille désormais dans son Studio à La Jolla, exposant dans cette ville et à Los Angeles.
Kat Flyn se définit elle-même comme une sculptrice d'assemblage et ses œuvres comme de l'art politique ou de l'art de protestation. Elle se distingue des autres artistes de l'assemblage par le fait qu'elle n'utilise que des objets "sauvés", et non "trouvés", dans son travail. Ses œuvres ont toujours une narration politique ou culturelle, plutôt que d'être surréalistes ou abstraites. Elle construit ou refaçonne également de nombreuses pièces qu'elle utilise dans son art - une boîte de boissons gazeuses en un immeuble de tenement (Affordable Housing 2017), une boîte à bijoux en une chaise roulante (Last Lily Foot 2016), une vieille boîte à cirage en un corbillard (Katrina 2018). Le résultat est que son travail est plus proche de l'art populaire que de l'art d'assemblage.
DÉCLARATION DE L'ARTISTE
À proprement parler, je suis un artiste d'assemblage, mais en fait, je construis plus que j'assemble mes œuvres. Je recherche des objets de collection, des artefacts et des sculptures en bois, puis je construis des scènes pour faire des déclarations sur la société américaine. Même lorsque j'utilise des objets datant de siècles antérieurs, mon thème porte presque toujours sur l'Amérique contemporaine. L'injustice sociale, le racisme, le sexisme et la violence - aspects de notre psyché nationale - existent dans le présent, mais leurs graines sont plantées dans notre passé. En outre, les objets que j'utilise sont souvent destinés à amplifier le sens de l'œuvre. Par exemple, les figurines en bois de stéréotype noir que j'utilise dans nombre de mes pièces ont très certainement été fabriquées par une personne de race blanche. En utilisant de tels artefacts, je pose la question suivante : quel type de société produit de tels objets en premier lieu ?
Dans mon art, je fais une distinction stricte entre les objets trouvés et les objets sauvegardés. Un objet trouvé - que la plupart des artistes d'assemblage utilisent dans leurs œuvres - est dépourvu de valeur intrinsèque ou émotionnelle, ayant été jeté par son propriétaire comme étant sans valeur ou cassé. Un objet sauvé, en revanche, a conservé sa valeur, soit parce qu'il avait une valeur intrinsèque, soit parce qu'une valeur affective lui avait été ajoutée (comme une photographie, une vieille chaussure, un jouet ancien) et qu'il a donc été sauvé au lieu d'être jeté. Le fait que je n'utilise que des "objets sauvés" a souvent pour conséquence que les spectateurs sont attirés par les pièces individuelles de mes œuvres plutôt que par le récit que j'essaie de dépeindre.
Les pièces présentées dans cette exposition s'étendent de mes premiers travaux tels que ma série de portraits fantômes - où je tente de capturer un sens de ce que la vie aurait pu être pour la personne présentée dans chaque œuvre - jusqu'à mon travail actuel, que j'appelle librement "Ripped From The Headlines" - où je traite de questions contemporaines telles que la réforme pénitentiaire, le changement climatique, l'immigration, #MeToo, et #Black Lives Matter. J'essaie de garder une présentation visuelle un peu caricaturale, ce qui peut sembler étrange compte tenu de la gravité du sujet - racisme, pauvreté, immigration, etc. Cependant, j'ai constaté que la réaction initiale des spectateurs à mon travail est plus favorable lorsque je formule visuellement mon sujet de cette manière. Mon objectif est d'amener les spectateurs à s'arrêter suffisamment longtemps pour voir au-delà de l'art et entrer dans la narration proposée par mon travail.